Одиннадцать картин из собрания Варшавского национального музея, мимо которых нельзя пройти
Варшавский национальный музей обладает одной из самых впечатляющих коллекций предметов искусства в Польше. Culture.pl знакомит читателей с важнейшими живописными экспонатами музея. Итак, перед вами одиннадцать картин, которые впечатлят даже самых взыскательных ценителей искусства.
Бернардо Беллотто (Каналетто) «Вид Варшавы с террасы Королевского замка»
Picture display
standardowy [760 px]
Бернардо Беллотто (Каналетто) «Вид Варшавы с террасы Королевского замка», 1773, фото: Варшавский национальный музей
Перед входом в зал польского искусства на втором этаже Варшавского национального музея висит внушительных размеров полотно знаменитого Каналетто. Мы попросили Войцеха Гловацкого, одного из научных сотрудников музея, рассказать нам подробнее об этой удивительной картине:
Text
«Год 1773, на переднем плане двор за Королевским замком, слева виднеется Дворец “Под бляхой” (“Под медной крышей”), вдали город, а справа здания, выстроившиеся вдоль улицы Краковское предместье. Почему эта картина выставлена в столь важном месте? Картину Каналетто повесили здесь по нескольким причинам. Во-первых, мы в Варшаве, а на картине изображен город до разрушений Второй мировой войны. Полотна Каналетто служили важным источником информации при реконструкции Варшавы, архитекторы воссоздавали старые здания в том числе и по этой картине.
Text
К тому же, это ведута [жанр живописи, подробнейшее изображение повседневной городской жизни — прим. перев.] с богатым стаффажем [маленькие изображения людей и животных — прим. перев.]. На переднем плане вы видите жизнь королевского двора, к которому принадлежал сам Каналетто, будучи придворным художником, так что это все исторические личности, которых можно опознать. К примеру, считается, что в окне справа изображен король Станислав Август со своей свитой. Примечательна еще одна сцена в правой части, изображающая скульпторов, которые вырезают из камня статую, стилизованную под античную. Поражает мастерское исполнение картин, мельчайшие детали, изумительная передача перспективы и изображения архитектуры, а также свет, словно перенесенный Каналетто из Венеции. Это настолько интересное произведение, что недавно Arte channel посвятил ему отдельный документальный фильм».
Ян Матейко «Грюнвальдская битва»
Picture display
standardowy [760 px]
Ян Матейко «Грюнвальдская битва», 1878, масло, холст, 426 x 987 см, из собрания Варшавского национального музея (MNW), фотография предоставлена MNW
Перед вами еще одна картина с богатейшим историческим контекстом, однако на сей раз ее автор не мог видеть то, что изобразил, своими собственными глазами. Ян Матейко, признанный главный исторический живописец Польши, жил в XIX веке, а Грюнвальдская битва произошла в 1410 году. В этом сражении, одном из крупнейших в истории средневековой Европы, войска Речи Посполитой победили Тевтонский орден. Победа в Грюнвальдской битве занимает ключевое место в польской истории.
Text
«Во время работы над “Грюнвальдской битвой” Ян Матейко изучал “Анналы Польши” Яна Длугоша, важнейший исторический источник, описывающий бои на полях Грюнвальда, как Библия (…) В то время лишь немногие художники могли соперничать с ним в том, что касается знания истории. Однако даже среди других работ Матейко “Грюнвальдская битва” выделяется своей исключительной верностью историческим реалиям. Опираясь на “Анналы” Длугоша и в некоторой степени на хронику Марцина Бельского, Матейко очень точно изобразил последнюю стадию битвы — смерть великого магистра Ульриха фон Юнгингена».
Author
Эва Мике-Бронярек, куратор Варшавского национального музея в интервью Польскому радио
На картину Матейко стоит взглянуть не только для того, чтобы узнать об эпизоде польской истории, повлиявшем на формирование польской национальной идентичности. Это полотно 1878 года следует увидеть своими глазами хотя бы из-за его размеров. Размеры этой поистине грандиозной картины поражают: почти десять метров в длину и пять в высоту. К тому же гениальный Матейко продемонстрировал при написании картины невероятное мастерство, и изучать ее бесчисленные детали — истинное удовольствие.
Неизвестный художник «Надгробный портрет Марианны Пстроконской (урожденной Дзялынской)»
Picture display
standardowy [760 px]
Неизвестный художник «Надгробный портрет Марианны Пстроконской (урожденной Дзялынской)», ок. 1680, фото: Варшавский национальный музей
Еще один самый что ни на есть польский экспонат в Варшавском национальном музее — это надгробный портрет Марианны Пстроконской (урожденной Дзялынской), выполненный неизвестным художником в конце XVII века. Вот что рассказывает об этом необычном жанре статья на Culture.pl, посвященная надгробным портретам:
Text
«В XVII–XVIII веках, в эпоху шляхетской республики, в Польше процветал уникальный жанр — жанр надгробного портрета. (…) Именно тогда получила широкое распространение особая похоронная церемония. Гроб, окруженный щитами с изображением герба, водружали на так называемый castrum doloris (ложе боли) — пьедестал в форме гроба. К торцовой стенке гроба в головах умершего крепился рисованный портрет. Такой портрет должен был быть очень четким, порой черты лица намеренно упрощались, чтобы изображение можно было разглядеть во время похоронной церемонии с расстояния в дюжину метров. Портрет, различимый при свете свеч и через густой дым благовоний, символизировал духовное присутствие умершего, связь между земным и духовным мирами».
После окончания церемонии портреты зачастую вешали в костелах. В Национальном музее выставлен надгробный портрет Марианны Пстроконской, а также несколько других подобных произведений, что позволяет посетителям внимательно ознакомиться с особенностями этого необычного жанра.
Сандро Ботичелли «Мадонна с младенцем, святым Иоанном Крестителем и ангелом»
Picture display
standardowy [760 px]
Сандро Ботичелли «Мадонна с младенцем, святым Иоанном Крестителем и ангелом», рубеж XV–XVI веков, фото: Варшавский национальный музей
Рядом с надгробными портретами на третьем этаже висит картина итальянского художника эпохи Возрождения Сандро Ботичелли, автора знаменитого полотна «Рождение Венеры». В коллекции Национального музея имеется его картина «Мадонна с младенцем, святым Иоанном Крестителем и ангелом», написанная на рубеже XVI века. В залах музея нам удалось подслушать, что один из гидов рассказывал об этой выдающейся картине группе монахинь:
Text
«Роза, лишенная шипов, считается символом Девы Марии, символом совершенной любви. Святой Иоанн одет в верблюжью шкуру, символ его отшельничества. Его традиционный атрибут — крест — можно заметить над головой Младенца, что намекает на суровую судьбу, ожидающую Спасителя. Этим, в свою очередь, объясняется грусть на лице Мадонны, которая (возможно) предчувствует грядущее».
Картина завораживает не только своим символизмом, но и безупречным исполнением и непривычным форматом: холст имеет форму круга. Сдержанным монахиням картина Ботичелли явно понравилась.
Станислав Выспяньский «Caritas (Мадонна с Младенцем)»
Picture display
standardowy [760 px]
Станислав Выспяньский «Caritas (Мадонна с Младенцем)», 1904, пастель, фото: Варшавский национальный музей
Вернемся на второй этаж. Там висит совершенно другая, более современная версия Мадонны с Младенцем. Вот что говорит об этой красивейшей картине, написанной в 1904 году, Войцех Гловацкий:
Text
«Можно подумать, что картина написана маслом, но, как водится у Выспяньского, это пастель на бумаге. Художник написал всего несколько работ маслом. Это один из многочисленных созданных им эскизов витражей. Выспяньский участвовал во многих конкурсах церковного убранства (например, Костела Святого Франциска Ассизского в Кракове), а “Caritas” — это эскиз (к слову сказать, неосуществленный) для Львовского кафедрального собора. Вызывают восхищение яркие пастельные краски, а также смелые звонкие сочетания цветов: светло-желтый рядом со светло-зеленым, а сверху голубой.
Text
Тема Caritas всегда актуальна. Это один из самых популярных мотивов в европейском искусстве».
Мы спросили Войцеха, типичны ли цветочные мотивы в верхней части картины для ар-нуво:
Text
«Конечно. Мы называем его “Молодая Польша”, или польский модернизм. Ее голова опущена, она выглядит обеспокоенной, ее внимание приковано к Младенцу. Она не смотрит нам в глаза. Похожа на обычную девушку. Очень оригинальное изображение».
Леон Вычулковский «Натюрморт»
Picture display
standardowy [760 px]
Леон Вычулковский «Натюрморт», 1905, фото: Варшавский национальный музей
В музее выставлено еще одно модернистское произведение с исключительно интересным цветовым решением — это «Натюрморт» известного художника Леона Вычулковского. На протяжении своей многолетней карьеры польский художник писал картины в различных стилях: модернизм, символизм, реализм… В этой работе, также известной как «Натюрморт с вазой» или «Натюрморт с вазой и китайской ширмой», отразился интерес художника к эстетике Востока:
Text
«Феликс Ясенский [известный коллекционер искусства — ред.] вызвал у Вычулковского интерес к японскому искусству с его изящными формами и оттенками. Поначалу новая эстетика проявилась в увлечении художника японскими и китайскими деталями, например, кимоно, ширмами, тканями, фарфором. Картины Японка “Japonka” [“Японка”], 1897, и “Martwa Natura z Wazą” [“Натюрморт с вазой”], 1905, пленяют своими нежными светящимися красками».
Author
Цитата из биографической справки на сайте Музея Леона Вычулковского в Быдгощи
Цветовая гамма этой работы действительно завораживает. Есть в ней нечто, что заставляет остановиться перед картиной и долго ее разглядывать. Тогда можно заметить шероховатую текстуру, которая вкупе с неочевидной композицией добавляет картине изысканности. Это дивный натюрморт позволяет понять, почему Вычулковский считается одним из важнейших польских художников.
Юзеф Хелмоньский «Куропатки»
Picture display
standardowy [760 px]
Юзеф Хелмоньский «Куропатки», 1891, фото: Варшавский национальный музей
Картина «Куропатки» 1891 года — один из самых известных экспонатов музея. Мы попросили Войцеха Гловацкого рассказать о ней подробнее:
Text
«Это одно из самых известных произведений Юзефа Хелмоньского, выдающегося польского академического художника, получившего образование в Германии во второй половине XIX века. Типичная для него работа с польским пейзажем. Хелмоньский писал свои пейзажи в основном в сельской местности в регионе Мазовия.
Text
На переднем плане зимнего пейзажа мы видим куропаток, ближайшие к нам прорисованы очень точно, все детали очень четкие, каждое перышко, каждый клювик. Линия горизонта едва прорисована, едва заметна. Здесь все белое, беловатое, бежевое, у белого цвета целый спектр оттенков. К тому же картина оправлена в белую с позолотой раму, что визуально еще больше расширяет ее пространство.
Text
По моему мнению, эта картина так часто попадает в различные подборки самых интересных произведений нашего музея, потому что она обладает удивительной способностью производить на зрителя впечатление. Приблизившись к ней, вы почти что чувствуете погоду. Вас практически пронизывает холод. Еще, безусловно, привлекает трогательная тема картины, ее безграничность и мастерское видение природы».
Конрад Кржижановский «Верки под Вильно»
Picture display
standardowy [760 px]
Конрад Кржижановский «Верки под Вильно», 1907, фото: Варшавский национальный музей
Еще один прекрасный пейзаж в коллекции музея — «Верки близ Вильно», написанный в 1907 году польским художником-экспрессионистом Конрадом Кржижановским. На картине изображен живописный район Верки (Вяркяй) в Вильно. Картина была написана во время экскурсии, которую Кржижановский совершил со своими студентами — он был не только признанным художником, но и увлеченным преподавателем искусства, профессором варшавской Академии изящных искусств с 1904 по 1909 год.
Text
«Кржижановский создавал пейзажи, напоминающие работы Яна Станиславского [польского пейзажиста — ред.], с которым он познакомился во время учебы в Киеве (…). Он написал много пейзажей во время экскурсий со своими студентами: из деревни Истебна, несколько версий, 1906, “Studium Chmur” [“Эскиз облаков”], 1906, “Obłoki” [“Облака”], 1906, “Werki pod Wilnem” [“Верки под Вильно”], 1907, “Motyw z Finlandii” [”Мотив из Финляндии”], 1908 (…). Пейзажи Кржижановского отличает экспрессивная светотень и темная сочная цветовая гамма».
Author
Цитата из Ружи Йодловской из «Польского биографического словаря» («Polski Słownik Biograficzny»)
Цветовая гамма картины приковывает взгляд зрителя, заставляя его задержаться. Широкий мазок кисти создает атмосферу сновидения, усиленную динамической композицией, которая словно приводит воду и всю сцену в движение.
Зофья Стрыенская «Июль-Август»
Picture display
standardowy [760 px]
Зофья Стрыенская «Июль-Август», 1925, темпера на холсте, фото: Варшавский национальный музей
В зале современного искусства есть поразительная картина — «Июль-Август» Зофьи Стрыенской. Стрыенская, одна из важнейших художников межвоенного периода, страстно увлекалась польским фольклором. Картина, написанная в 1925 году, была частью цикла под названием «Времена года» («Pory Roku»), выигравшего четыре премии гран-при на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже в 1925 году.
Text
«Кажется, будто у января и февраля на голове перья — но нет! Это цветы, созданные из морозных узоров на окне, а их шляпы оказываются гигантскими кристаллами! Август — это великолепный, ангельский персонаж прямо из легенды, поэт, любовник, художник, полубог. Персонажи представлены в атмосфере народной жизни, обычаев и песен».
Author
Ангелика Кузняк о «Временах года» в книге «Stryjeńska: Diabli Nadali»
Кроме того, как объясняет Магдалена Ланушка в своей статье на образовательном портале Historia: Poszukaj (История: поищи), эта сцена глубоко укоренена в европейской традиции:
Text
«Традиция изображать месяцы в виде персонификаций или виды деятельности, связанные с определенными месяцами (в контексте не только труда, но и отдыха и праздников), восходит к средневековому искусству — подобные циклы были популярны в скульптуре, витражах и украшениях рукописей. Так что, с одной стороны, Стрыенская обращается к корням европейской культуры, а с другой — помещает все месяцы в славянский народный контекст».
Злаки напоминают о жатве, которая происходит в конце лета, а танец пары — о веселых народных гуляньях во время сбора урожая.
Рафал Мальчевский «Автомобиль на фоне зимнего пейзажа»
Picture display
standardowy [760 px]
Рафал Мальчевский «Автомобиль на фоне зимнего пейзажа», ок. 1930, фото: Варшавский национальный музей
Рядом с летним «Июлем-августом» висит «заснеженное» полотно Рафала Мальчевского «Автомобиль на фоне зимнего пейзажа» (ок. 1930). Войцех Гловацкий рассказал нам об этой удивительной работе:
Text
«Здесь вы видите увлечение скоростными автомобилями, это — поздние — футуристические влияния, смелые предсказания будущего. Ведь в 1930-е никто еще не подозревал, что разразится Вторая мировая война.
Главное в этой картине — прекрасная цветовая гамма. Кто-то скажет, что зимние пейзажи замечательно рисовал, например, Юлиан Фалат, истинный художник снега. Но его работы совершенно другие, его пейзажи реалистичны, даже если наполнены эмоциями. Здесь же пейзаж показан синтетически, снег в первую очередь служит фоном, на котором мчится автомобиль».
Мы спросили Войцеха, польская ли дорога изображена на картине:
Text
«Без всяких сомнений. Хижины в точности такие, как те, что можно увидеть в польских горах. К тому же, я бы не сказал, что это реальный пейзаж, он больше похож на воображаемый. Обратите внимание, как линия горизонта сливается с облаками. Автомобиль — лишь бирюзовое пятно на фоне снега. И этот снег переливается всеми цветами радуги. Здесь столько розового, голубого, лазурного. В этом снегу меньше всего белого!
К тому же это произведение исполнено духа ар-деко. Рафал Мальчевский, сын Яцека Мальчевского [ведущего польского художника-символиста — ред.] унаследовал от отца легкий мазок, легкий жест. Он сумел блестяще передать в живописи свою эпоху».
Войцех Фангор «E 10» и «E 19»
Picture display
standardowy [760 px]
Войцех Фангор «E 10» и «E 19», 1966, фото: Варшавский национальный музей
Войцеха Фангора иногда называют «одним из последних великих мастеров ХХ века» и «классиком польского искусства ХХ века». За свою долгую карьеру, начавшуюся вскоре после окончания Второй мировой войны, он создал различные работы, которые относят к таким течениями, как соцреализм, минимализм и критическое искусство. Среди наиболее запоминающихся его работ — произведения в стиле оп-арт (художественное течение второй половины XX века, основанное на использовании различных оптических иллюзий). В музее выставлены две таких его работы, обе 1966 года: «E 10» и «E 19» висят рядом друг с другом. Они очень похожи по размеру, на обеих изображены крупные кольца на плоском фоне, однако различное цветовое решение наделяет их индивидуальностью.
Благодаря особой градации цвета эти картины словно движутся перед глазами. Поистине удивительное чувство. Кажется, что полотна дышат, становятся то меньше, то больше. Как будто вы смотрите в два огромных живых глаза.
Text
«В 1960-е и в начале 1970-х Фангор писал картины, ставшие оригинальным вкладом в минимализм и оп-арт. Изначально перед этими работами стояла цель представить цвет и свет — его спектр и эффекты хроматической дисперсии. Художник написал картины, созданные из цветных кругов, эллипсов и волн с пульсирующими контурами. Эти работы дарят иллюзию глубины и создают оптический эффект, пленяя зрителей своим гипнотическим движением. Это своего рода игра, которую художник ведет с пространством внутри и снаружи картины, игра реального и иллюзорного пространства. Сам художник считал деление на абстрактное и реалистическое искусство ложным: “Каждая картина — это реальность, даже если она не напоминает вам глаз, ухо или человеческую ногу. Это чистая реальность, иногда связанная с геометрическими фигурами, существующими за пределами картины”».
В заключение позвольте напомнить, что все картины в этом списке существуют офлайн, в реальности, не на экране. Даже самое лучшее фото или репродукция и вполовину не так хороши, как оригинал. Только ради этого — а, может быть, именно ради этого — настоятельно советуем посетить Варшавский национальный музей.
Автор: Марек Кемпа, май 2018.
[{"nid":"5695","uuid":"149c0660-3eab-4f7e-b15d-9a3a314fb793","type":"article","langcode":"ru","field_event_date":"","title":"\u0421\u043e\u0432\u0440\u0435\u043c\u0435\u043d\u043d\u043e\u0441\u0442\u044c \u0432 \u043f\u043e\u043b\u044c\u0441\u043a\u043e\u0439 \u043f\u043e\u044d\u0437\u0438\u0438 \u0425\u0425 \u0432\u0435\u043a\u0430","field_introduction":"\u041d\u0430 \u043f\u0440\u043e\u0442\u044f\u0436\u0435\u043d\u0438\u0438 \u043f\u043e\u0441\u043b\u0435\u0434\u043d\u0438\u0445 \u043f\u044f\u0442\u0438\u0434\u0435\u0441\u044f\u0442\u0438 \u043b\u0435\u0442 \u0438\u0441\u0441\u043b\u0435\u0434\u043e\u0432\u0430\u0442\u0435\u043b\u0438 \u043f\u043e\u043b\u044c\u0441\u043a\u043e\u0439 \u043f\u043e\u044d\u0437\u0438\u0438 \u0425\u0425 \u0432\u0435\u043a\u0430 \u0441\u0447\u0438\u0442\u0430\u043b\u0438 \u043d\u0430\u0447\u0430\u043b\u043e\u043c \u0441\u043e\u0432\u0440\u0435\u043c\u0435\u043d\u043d\u043e\u0441\u0442\u0438 \u043f\u0435\u0440\u0438\u043e\u0434 \u043f\u043e\u0441\u043b\u0435 \u041f\u0435\u0440\u0432\u043e\u0439 \u043c\u0438\u0440\u043e\u0432\u043e\u0439 \u0432\u043e\u0439\u043d\u044b (\u0442\u043e \u0435\u0441\u0442\u044c \u0432\u0440\u0435\u043c\u044f \u0432\u043e\u0437\u043d\u0438\u043a\u043d\u043e\u0432\u0435\u043d\u0438\u044f \u0430\u0432\u0430\u043d\u0433\u0430\u0440\u0434\u043d\u044b\u0445 \u0442\u0435\u0447\u0435\u043d\u0438\u0439). \u041e\u0434\u043d\u0430\u043a\u043e \u0432 \u043f\u043e\u0441\u043b\u0435\u0434\u043d\u0438\u0435 \u0433\u043e\u0434\u044b \u0438\u0441\u0442\u043e\u043a\u0438 \u0441\u043e\u0432\u0440\u0435\u043c\u0435\u043d\u043d\u043e\u0439 \u043f\u043e\u043b\u044c\u0441\u043a\u043e\u0439 \u043f\u043e\u044d\u0437\u0438\u0438 \u0443\u0441\u043c\u0430\u0442\u0440\u0438\u0432\u0430\u044e\u0442 \u0443\u0436\u0435 \u0432 \u0442\u0432\u043e\u0440\u0447\u0435\u0441\u0442\u0432\u0435 \u043f\u0440\u0435\u0434\u0441\u0442\u0430\u0432\u0438\u0442\u0435\u043b\u0435\u0439 \u00ab\u041c\u043e\u043b\u043e\u0434\u043e\u0439 \u041f\u043e\u043b\u044c\u0448\u0438\u00bb (1895\u20131918).\r\n","field_summary":"\u041e\u0442 \u043f\u0430\u0440\u043d\u0430\u0441\u0441\u0438\u0437\u043c\u0430 \u0434\u043e \u0430\u0432\u0430\u043d\u0433\u0430\u0440\u0434\u0430: 5 \u0442\u0435\u0447\u0435\u043d\u0438\u0439, \u043e\u043f\u0440\u0435\u0434\u0435\u043b\u0438\u0432\u0448\u0438\u0445 \u043f\u043e\u043b\u044c\u0441\u043a\u0443\u044e \u043f\u043e\u044d\u0437\u0438\u044e XX \u0432\u0435\u043a\u0430.","topics_data":"a:1:{i:0;a:3:{s:3:\u0022tid\u0022;s:5:\u002259609\u0022;s:4:\u0022name\u0022;s:33:\u0022#\u044f\u0437\u044b\u043a \u0438 \u043b\u0438\u0442\u0435\u0440\u0430\u0442\u0443\u0440\u0430\u0022;s:4:\u0022path\u0022;a:2:{s:5:\u0022alias\u0022;s:26:\u0022\/topics\/yazyk-i-literatura\u0022;s:8:\u0022langcode\u0022;s:2:\u0022ru\u0022;}}}","field_cover_display":"default","image_title":"","image_alt":"","image_360_auto":"\/sites\/default\/files\/styles\/360_auto\/public\/field\/image\/peiper_tadeusz_6883077.jpg?itok=657Yq-o6","image_260_auto":"\/sites\/default\/files\/styles\/260_auto_cover\/public\/field\/image\/peiper_tadeusz_6883077.jpg?itok=58nl0Ijx","image_560_auto":"\/sites\/default\/files\/styles\/560_auto\/public\/field\/image\/peiper_tadeusz_6883077.jpg?itok=uyjmQphE","image_860_auto":"\/sites\/default\/files\/styles\/860_auto\/public\/field\/image\/peiper_tadeusz_6883077.jpg?itok=0DTNnHnI","image_1160_auto":"\/sites\/default\/files\/styles\/1160_auto\/public\/field\/image\/peiper_tadeusz_6883077.jpg?itok=KQjtn6cS","field_video_media":"","field_media_video_file":"","field_media_video_embed":"","field_gallery_pictures":"","field_duration":"","cover_height":"249","cover_width":"440","cover_ratio_percent":"56.5909","path":"ru\/node\/5695","path_node":"\/ru\/node\/5695"}]