안나 자라드니 Anna Zaradny

시각예술과 사운드 아트를 넘나드는 예술가이자 작곡가, 즉흥연주자이다. 음악 페스티벌 기획자로도 활동하며 설치와 오브제 작업을 선보여 왔다. 1977년 슈체친에서 태어났다

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안나 자라드니 / 사진: Szymon Rogiński

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Anna Zaradny

안나 자라드니 Anna Zaradny는 포즈난 음악아카데미 슈체친 분교에서 지휘와 음악이론을 공부했다.여러 해 동안 무지카 게네라 Musica Genera 페스티벌의 공동 기획자이자 큐레이터로 활동했으며, 연극 공연과 멀티미디어 프로젝트의 음악도 작곡했다. 현재 바르샤바에 거주하며 작업하고 있다.

자라드니의 작품은 폴란드와 해외의 여러 개인전과 단체전에서 소개되었다. 그의 작품이 전시된 대표적인 곳으로는 아방가르드 인스티튜트 Instytut Awangardy, 폭살 갤러리 재단 Fundacja Galerii Foksal, 바르샤바 현대미술관 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, 분키에르 슈투키 Bunkier Sztuki, 자헹타 국립미술관 Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, 질버쿠페 SILLBERKUPPE, 베를린 쿤스트베르케 Kunst-Werke Berlin 등이 있다.

2023년에는 마리아 안토 & 엘사 폰 프라이타크-로링호펜 예술상 Nagroda Sztuki im. Marii Anto i Elsy von Freytag-Loringhoven을 수상했으며, 2017년에는 SHAPE가 선정한 아티스트로 이름을 올렸다. 2011년에는 제5회 스포이제니아 - 도이체방크재단상 Spojrzenia - Nagroda Fundacji Deutsche Bank에서 관객상을 받았다. 2005년에는 빈 무제움스크바르티어 MuseumsQuartier의 레지던시 프로그램에 참여했다.

작곡가이자 즉흥연주자인 자라드니는 폐쇄된 형식과 정해진 기보법, 명확한 창작 주체와 작품의 정체성을 전제로 하는 전통적인 음악 개념에 의문을 제기해 온 아방가르드 음악의 흐름을 이어간다. 그의 작업은 실험음악과 구체음악이 가져온 변화의 계보 위에 있다. 이들 음악은 작곡가와 악보의 역할을 새롭게 정의했을 뿐 아니라, 청중이 음악을 듣고 인식하는 방식에도 변화를 가져왔다. 특히 새로운 기술의 등장은 이른바 '소리의 우주'를 확장하고, 소리를 변형하거나 음향 재료를 구성하는 가능성을 크게 넓히는 데 중요한 역할을 했다.

자라드니는 ⟪노테스 나 6 티고드니 Notes na 6 tygodni⟫와의 인터뷰에서 다음과 같이 말했다.

Text

"저는 전통 음악을 존중하지만, 저에게는 분명 나만의 취향이 있습니다. 음악의 영역은 제가 아니더라도 계속 확장되고 있고, 음악의 역사도 여전히 쓰이고 있습니다. 저는 그중 아주 작은 부분을 탐구하며, 저만의 영역을 조금씩 넓혀 갈 뿐입니다. 아직 모르는 세계가 너무 많다는 사실이 두렵기도 합니다. 과연 그 모든 것을 알아갈 시간이 있을지 모르겠습니다."

자라드니는 색소폰과 노트북을 중심으로 음악 작업을 한다. 색소폰 연주에서는 다양한 기법을 구사하며, 독주뿐 아니라 다른 음악가들과 함께 즉흥연주를 펼친다. 라이브 공연과 스튜디오 녹음을 통해 이러한 작업을 이어가고 있다. 자라드니의 즉흥연주는 존 케이지 John Cage가 제시한 실험음악의 개념과 맞닿아 있다. 케이지에게 실험은 특정한 결과를 얻기 위한 실험실적 과정이 아니라, 결과를 미리 정해 두지 않은 채 우연과 예기치 않은 가능성에 열려 있는 과정이었다. 자라드니의 작업에서도 즉흥연주는 리허설과 실제 연주 사이의 전통적인 경계를 흐린다. 창작은 하나의 유기적인 과정이 되며, 녹음으로 남은 작품의 최종 형태 역시 그 과정 속에서 만들어진다. 다만 그는 '즉흥연주라는 형식 자체보다 그 결과가 더 중요하다'고 강조한다. 이어 다음과 같이 말한다.

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"전통 음악을 존중하지만, 제가 추구하는 방향은 따로 있습니다. 음악의 영역은 저와 상관없이 계속 넓어지고 있고, 음악의 역사 역시 끊임없이 쓰이고 있습니다. 저는 그중 아주 작은 부분을 탐구하며, 제 나름대로 그 영역을 조금씩 넓혀 갈 뿐입니다. 아직 알지 못하는 세계가 너무 많다는 사실이 두렵기도 합니다. 그 모든 것을 알아갈 시간이 있을지 모르겠습니다."

음악 활동의 시작

자라드니는 1990년대 현대음악과 프리 재즈, 펑크 록, 스카 펑크 등 다양한 장르를 오가며 음악 활동을 시작했다. 이 시기 브워하티 Włochaty와 닥터 멩겔레 Dr Mengele 등의 밴드와 협업했다. 1990년대 말에는 로베르트 피오트로비치 Robert Piotrowicz, 세바스티안 크라프축 Sebastian Krawczuk, 카츠페르 야시키에비치 Kacper Jaśkiewicz, 이후 합류한 야첵 마예프스키 Jacek Majewski와 함께 스턱온실링 StuckOnCeiling에서 활동했다. 처음에는 실험적인 노이즈 록을 연주하던 이 밴드는 점차 즉흥음악으로 음악적 방향을 바꾸었으며, 특히 2000년부터 2002년까지 활발하게 공연했다.

이후 자라드니는 솔로 활동을 이어가는 한편, 짧게 진행된 프로젝트부터 장기간 지속된 프로젝트까지 다양한 음악 작업에 참여했다. 테라 폴스카 Terra Polska, 아욱스 폴렌 Aux Pole'n, 아트 리드믹 디포 Art Rythmic Depot, 오디오 아트 Audio Art, 무지카 즈 무즈구 Muzyka z Mózgu 등이 그 예다. 또한 공연마다 새롭게 구성된 다양한 편성으로 무대에 올라 부르크하르트 슈탕글 Burkhard Stangl, 토니 벅 Tony Buck, 코르 퓔러 Cor Fuhler, 존 부처 John Butcher, 욘 헤그레 John Hegre, 오토모 요시히데 Otomo Yoshihide, 마르틴 클라퍼 Martin Klapper, 보리스 하우프 Boris Hauf, 소피 아녤 Sophie Agnel, 우테 푈커 Ute Völker, 잉가르 차크 Ingar Zach 등 여러 음악가와 함께 연주했다. 이와 함께 다수의 국제 음악 페스티벌에도 참가했다.

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안나 자라드니 / 사진: Szymon Rogiński

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자라드니의 작업에서 중요한 전환점은 2005년 빈에서 레지던시 프로그램에 참여하면서 찾아왔다. 이 시기에 그는 일곱 장의 사진과 이를 위해 특별히 작곡한 사운드를 결합한 작품 ⟪hTIAL⟫을 선보였다. 사진은 얼핏 추상적으로 보이지만, 그 중심에는 마치 시간 속에 멈춰 선 듯한 빛이 자리한다. 자라드니는 이를 소리의 길이와 빛이 지속되는 시간 사이의 관계로 연결하며, 서로 다른 방식으로 경험되는 '시간'을 탐구한다.

"빛은 소리와 마찬가지로 비물질적인 성질을 지니면서도 공간을 단번에 변화시킨다는 점에서 매력적입니다. 하나의 원초적인 힘과도 같고, 소리와 결합할 때 비로소 완전한 하나를 이룹니다."

라고 자라드니는 말한다

자라드니는 이러한 관심을 설치작품 ⟪태양을 향해 뒤로 Backwards ku słońcu⟫(2008)에서 더욱 발전시켰다. 밤과 낮의 자연스러운 순환에 따라 변화하는 이 작품은 서로 반대 방향으로 이어지는 빛과 소리의 두 터널로 구성되었다. 낮에는 자연광을 활용하고 밤에는 다른 방식으로 작동하도록 설계되었다. 자라드니는 빛과 소리를 동등한 '재료'로 다루면서, 시각이 청각보다 우위에 놓이는 전통적인 관계에 의문을 제기하고 보는 것과 듣는 것의 관계를 새롭게 바라보게 했다.

자라드니는 2008년 바르샤바에서 열린 볼라 아트 Wola Art 페스티벌을 위해 ⟪행복의 하모니 (끝내 닿지 못한) Harmony of Happiness (Never Reached)⟫을 제작했다. 일종의 사운드 조각, 혹은 사운드 아상블라주라 할 수 있는 작품이다. 전시 참가자들에게는 몰스킨 노트가 주어졌고, 자라드니는 아코디언처럼 펼쳐지는 노트를 선택해 그 안에 여덟 개의 오르골 모듈을 설치했다. 이 장치들은 흔히 소리가 나는 카드에 사용되는 것으로, 단순한 기념용 멜로디와 특유의 키치한 음색을 들려준다. 노트의 각 면에는 서로 다른 하나의 멜로디가 대응했다. ⟪행복의 하모니 (끝내 닿지 못한)⟫는 이러한 음악 카드에서 시각적 요소를 덜어내고 소리와 아코디언형 노트의 단순하고 추상적인 형태만을 남긴 작품이다. 노트를 완전히 펼치면 하나의 사운드 오브제로 변해, 처음에는 익숙하면서도 낯선 일종의 불협화음을 만들어 낸다. 그러나 각각의 선율은 서로 겹치면서 차츰 새로운 화음을 이룬다.

자라드니는 이에 대해 다음과 같이 말했다.

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"하나씩 떼어 놓고 들으면 진부하고 날카롭고 키치하며 성가시고, 때로는 기괴하게까지 들리는 소리들이 겹쳐지면 어느 순간 하나의 조화를 이루는 듯한 인상을 줍니다. 하지만 그것은 어디까지나 착각일 뿐입니다. 마치 행복에 도달한 것처럼 보일 뿐이죠. 작품의 이러한 다층적인 의미는 모티프가 된 음악 카드에서도 드러납니다. 축하 카드를 받은 사람은 서툴고 단편적인 멜로디와 함께, 정해진 방식대로 행복을 느껴야 한다는 압박을 받게 됩니다."

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- 안나 자라드니

무지카 게네라

2002년부터 2009년까지 자라드니는 로베르트 피오트로비치 Robert Piotrowicz와 함께 슈체친에서 실험음악과 즉흥음악을 중심으로 한 무지카 게네라 Musica Genera 페스티벌을 기획하고 운영했다. 이와 연계해 같은 이름의 음반 레이블도 운영했다. 무지카 게네라는 이전까지 함께 작업한 적이 없는 음악가들을 새로운 조합으로 무대에 세우고, 소리를 다루는 다양한 방식과 가능성을 탐구하는 독특한 형식의 페스티벌이었다.

2003년 무지카 게네라 레이블에서는 빈의 암만 스튜디오 Amman Studio에서 녹음한 앨범 ⟪Can't Illumination⟫을 발매했다. 자라드니(색소폰, 컴퓨터), 로베르트 피오트로비치(기타, 신시사이저), 오스트리아 음악가 부르크하르트 슈탕글 Burkhard Stangl(기타, 전자음향)이 두 차례의 스튜디오 세션을 통해 완성한 즉흥음악 작품이다. 주류 음악 산업과는 거리를 둔 독립적인 작업이었지만, 평단에서는 2003년 가장 흥미로운 음악적 성과 가운데 하나로 평가받았다.

2006년 무지카 게네라 페스티벌에서 자라드니는 네덜란드 음악가 코르 퓔러 Cor Fuhler(프리페어드 피아노), 오스트레일리아 음악가 토니 벅 Tony Buck(퍼커션)과 함께 공연했다. 세 음악가가 펼친 공동 즉흥연주는 녹음되었고, 이듬해 앨범 ⟪Lighton⟫으로 발매되었다.

같은 해 무지카 게네라 페스티벌에서는 자라드니, 피오트로비치, 마틸다 사웨예프스카 Matylda Sałejewska, 미하우 코파니신 Michał Kopaniszyn이 공동 제작한 프로젝트 ⟪토이토이 TOJTOJ⟫가 처음 공개되었다. 음악과 영상, 오브제, 공간 연출을 하나의 작업 안에 결합한 프로젝트였다.

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MUZEUM i eM U Zet E U eM

2009년 바르샤바에서 열린 마지막 무지카 게네라 페스티벌은 사운드 아트와 사운드 설치에 특히 주목했다. 이때 자라드니는 바르샤바 현대미술관의 임시 전시 공간에서 두 점의 장소특정적 설치작품을 선보였다.

첫 번째 작품 ⟪eM U Zet E U eM⟫은 건물 외벽을 활용한 사운드 설치였다. 파울리나 오워프스카 Paulina Ołowska와 마테우시 라마슈칸 Mateusz Ramaszkan이 제작한 'Muzeum' 네온사인과 호응하도록 구성된 작품으로, 자라드니는 오워프스카가 'Muzeum'이라는 단어를 발음하는 목소리를 녹음한 뒤 이를 음절과 음소, 문자 단위로 해체했다. 작품 제목 역시 이 단어의 철자를 하나씩 풀어 적은 형태다. 이러한 방식은 오워프스카가 2005년에 선보인 작품 ⟪알파벳 Alfabet⟫을 간접적으로 참조한다.

반복되는 목소리는 하나의 단어를 끊임없이 해체하고 다시 조합한다. 이 과정은 무언가를 배우고 다시 지우는 일, 의미를 만들고 다시 의심하는 일, 지식을 끊임없이 새롭게 정의하는 과정을 떠올리게 한다. 자라드니는 시각적 오브제인 네온사인에 인간의 목소리로 이루어진 음향적 해석을 덧붙였다. 동시에 이 작품은 도시의 사운드스케이프를 새롭게 구성하고 그 안에 개입하려는 시도이기도 했다.

두 번째 설치작품은 ⟪삼각법 7 Trigonometry 7⟫(2009)이다. 계단 아래의 작은 수납공간에 설치된 이 작품에서 자라드니는 시각과 소리가 각각 고유한 원리에 따라 작동하는 하나의 독립된 세계를 구축했다. 시선의 방향을 비틀고 착시를 활용한 시각적 구성 속에서, 새하얀 공간에는 추상적이고 기하학적인 형태들이 배치되었다. 자라드니는 이 작품에 대해 다음과 같이 말한다.

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"변과 각, 가장 단순한 조화파가 이 작품을 이루는 핵심 요소입니다. 곧게 뻗는 빛과 원초적인 음파가 공간을 가로지르며 하나의 조각적 형태를 만들어 냅니다. 수학적 정의가 지닌 섬세하고 이상적인 성격과 그 안에 내재한 시성은 작품 속에서 물리적인 형태로 구현되며, 그 자체로 독립적인 미적 존재가 됩니다."

관람객은 그 세계를 바라보고 그 안의 소리에 귀 기울일 수 있을 뿐이었다.

디스코그래피

자라드니의 첫 솔로 앨범 ⟪자줏빛 순환 Mauve Cycles⟫는 2008년에 발매되었다. 각각 25분과 13분 길이의 미니멀한 전자음악 두 곡을 수록한 이 앨범에는 리드미컬한 요소와 혼돈이 뒤섞여 있으며, 발매 후 평단의 호평을 받았다.

자라드니는 이 앨범에 대해, 시간의 흐름 속에서 발전해 온 하나의 아이디어가 구체적인 형태로 완성된 결과물이라고 설명한다.

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"이 곡들은 공연을 통해 처음 구체화되기 시작했습니다. 이후 그 경험을 스튜디오에서 다시 풀어내면서 작품의 기본적인 형식과 흐름을 잡았습니다. 동시에 일종의 사운드 조각이라 할 수 있는 전자음향의 구조도 계속 다듬어 나갔습니다. 쉽게 말해, 이 작품을 충분히 오래 들여다볼 시간이 필요했습니다. 최종적으로는 아주 작은 수많은 디테일이 쌓여 지금의 형태가 완성되었습니다."

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- 안나 자라드니

이후 자라드니는 카스페르 퇴플리츠 Kasper Toeplitz와 함께 녹음한 듀오 앨범 ⟪절대 안 돼 역 Stacja nigdy w życiu⟫(2016), 솔로 앨범 ⟪고 고 테우르기 Go Go Theurgy⟫(2016), 제롬 노에팅거 Jérôme Noetinger와 로베르트 피오트로비치 Robert Piotrowicz와 함께 작업한 ⟪균열 탐지기 Crackfinder⟫(2018) 등을 발표하며 음악 활동을 이어갔다.

음악 너머의 소리

안나 자라드니 Anna Zaradny는 연극 음악도 꾸준히 작업해 왔다. 슈체친의 카나 극장 Teatr Kana, 포즈난의 우스타 우스타 극장 Teatr Usta Usta 등과 협업했으며, 파베우 미시키에비치 Paweł Miśkiewicz가 연출한 ⟪트럼프. 왕의 길 Trump. Królewski szlak⟫(슈체친 현대극장 Teatr Współczesny w Szczecinie, 2026), ⟪세로토닌 Serotonina⟫(바르샤바 스타니스와프 이그나치 비트키에비치 스튜디오 극장 Teatr Studio im. Stanisława Ignacego Witkiewicza, 2019), 이가 간차르칙 Iga Gańczarczyk이 연출한 ⟪재앙 탐험가들 Katastronauci⟫(바르샤바 노비 극장 Nowy Teatr, 2013) 등 여러 공연의 음악 작업을 맡았다.

자라드니는 2007년 연극 음악 작업에 대해 다음과 같이 말했다.

Text

"공연에서 음악은 다른 요소들과 어우러져 작품을 함께 만들어 가는 것이 가장 중요하다고 생각합니다. 음악은 공간과 창작자의 몸짓, 극의 리듬 등 작품을 이루는 여러 요소와 유기적인 관계를 맺어야 합니다. 저는 언제나 이 모든 표현 요소가 가능한 한 하나로 어우러지도록 하는 데 가장 중점을 둡니다."

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-안나 자라드니

자라드니는 이른바 '음악 바깥의 소리 영역'에서도 꾸준히 작업해 왔다. 시각예술과 사운드가 만나는 지점에서 멀티미디어 설치와 사운드 아트, 음악과 공간을 결합한 작업 등을 선보인다. 이러한 활동을 고려하면 2011년, 35세 이하의 시각예술가를 대상으로 2년마다 수여되는 '스포이제니아 Spojrzenia상'의 최종 후보 7인에 이름을 올린 것도 당연한 결과라 할 수 있다.

자라드니의 작업은 '뉴 뮤직'으로 불리는 영역을 넘어 음악의 경계를 넘어설 때 더욱 흥미로운 모습을 드러낸다. 다양한 방향으로 작업의 범위를 넓혀 왔지만, 그중에서도 시각예술과 가까운 접점을 보여준다. 자신의 작업이 놓이는 맥락이 달라지는 것을 주저하지 않으며 여러 예술 영역을 자유롭게 넘나드는 태도 덕분에 하나의 범주로 쉽게 규정하기 어려운 작가가 되었지만, 동시에 관객에게 이런 질문을 던진다. 그렇다면 자라드니는 과연 어떤 작업을 하는 예술가일까? 그는 한 인터뷰에서 다음과 같이 말했다.

Text

"저는 음악과 예술을 따로 구분하지 않습니다. 흔히 전통적인 구분에 따라 '예술'이라는 말은 시각예술만을 가리키는 경우가 많지만, 이러한 구분은 오히려 혼란을 불러일으킬 수 있습니다. 문화라는 관점에서 음악가는 악기를 연주하는 사람, 작곡가는 오선지에 음표를 적는 사람으로 여겨지곤 합니다. 하지만 이는 매우 시대에 뒤떨어진 인식입니다.

그런 관점에서 보면 저는 스스로를 음악가나 작곡가라고 생각하지 않습니다. 물론 실제로 연주하고 작곡하는 사람이기는 합니다. 제가 주로 다루는 재료는 소리입니다. 그리고 소리는 전통적인 의미의 음악보다 훨씬 넓은 개념입니다. 스튜디오에서 작곡할 때나 무대에서 연주할 때, 설치작품이나 오브제를 만들 때도 저는 언제나 소리를 다룹니다."

Author

- 안나 자라드니

문제는 단순히 여러 장르를 넘나드는 데 그치지 않는다. 사운드 아트는 음악과 시각예술 어느 한쪽에도 온전히 속하지 않는다는 점에서 흔히 '집 없는 예술'로 불린다. 콘서트나 음반처럼 시간의 흐름에 따라 감상하고 연주를 전제로 하는 음악과도 다르고, 시각예술과도 다른 특성을 지니기 때문이다. 아직 사운드 아트만의 경제적 구조도 뚜렷하게 형성되지 않았다. 작품을 어떻게 판매할 것인지부터 이러한 작업을 어떤 언어로 설명하고 비평할 것인지까지 여전히 많은 부분이 정립되지 않은 상태다.

하지만 이러한 경계의 모호함은 오히려 사운드 아트의 강점이 되기도 한다. 자라드니의 작업에서 소리는 갤러리든 도시든 공간을 이루는 하나의 중요한 요소로 기능한다. 2025년 바르샤바 우니이 루벨스키에이 광장 Plac Unii Lubelskiej에 설치된 ⟪끝없는 하늘 / 비밀의 흐름 Sky is the limit / Secret stream⟫이 대표적이다. 지나가던 사람들이 유리판 너머로 땅속을 들여다볼 수 있도록 만든 작품으로, 그 아래에는 소리와 빛을 전달하는 다양한 장치들이 만화경을 연상시키는 모습으로 배치되어 있다.

이 작품은 우리가 소리와 이미지를 감각하고 기억하는 방식을 낯설게 만든다. 흔히 침묵의 공간으로 생각하는 지하에서 소리가 흘러나오는 한편, 설치에 사용된 장치 대부분은 본래의 기능을 잃고 시각적 기호로만 남아 있다. 유리 너머에서는 실험적인 아날로그 전자음악과 현장 녹음을 결합한 사운드가 반복해서 흘러나온다. 태국에서 녹음한 두꺼비 울음소리와 콩고민주공화국에서 아이들과 함께 노래하고 대화한 소리 등도 그 안에 담겨 있다. 설치에 사용된 여러 요소는 재활용된 과거의 기술과 장치들로 이루어져 있다.

자라드니의 작품은 대부분 특정한 장소를 염두에 두고 제작되며, 그곳의 소리 환경과 공간적 특성을 작업에 적극적으로 끌어들인다. 동시에 처음과 끝이 정해진 음악을 순서대로 듣는 전통적인 감상 방식에서도 벗어난다. 그의 사운드 설치에서 '음악'은 정해진 시작과 끝 없이 계속 이어지며, 마치 그 공간과 작가가 만들어 낸 환경 속에 원래부터 존재했던 것처럼 자리한다. 시간이 흐르면서 자라드니의 작업은 소리뿐 아니라 시각적 요소에도 점차 더 큰 비중을 두기 시작했다. 그 결과 음악과 공간, 이미지는 서로를 규정하고 변화시키는 관계를 이루게 된다.

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Pracownie skryte i wyśnione: Anna Zaradny

최근 몇 년 사이 자라드니가 선보인 주요 작업 가운데 하나는 무음 비디오 작품 ⟪고요를 듣다 Enjoy the Silence⟫(2018)이다. 소리의 본질에 대한 탐구에서 출발한 이 작품은 소리가 사라진 자리에 남는 '고요'를 포착하려는 시도다. 영상에는 유리가 산산이 부서지는 순간이 슬로 모션으로 담겨 있다. 검은 배경 위로 반짝이는 유리 파편과 가루가 소용돌이치며 역동적인 이미지를 만들어 낸다. 이러한 장면은 에겔링의 ⟪대각선 교향곡 Symfonia Diagonalna⟫이나 구조영화 등 아방가르드 영화의 시각적 실험을 떠올리게 한다. 영상에는 어떠한 소리도 삽입되지 않아, 강렬한 이미지와 대비되는 고요하고 명상적인 분위기를 자아낸다.

2025년 자라드니는 바르샤바 현대미술관에서 퍼포먼스 작품 ⟪거리를 두는 몸의 소리 Dźwięk zdystansowanego ciała⟫를 선보였다. 이 작품은 모노포닉 아날로그 신시사이저 테레미니를 활용한 스튜디오 작업에서 출발했다. 고독과 거리감, 타인과 접촉할 수 없는 상태를 소리로 옮기고 이를 창작의 방식으로 마주하는 한편, 수동적이고 고립된 것처럼 보이는 상태 안에 어떤 가능성이 숨어 있는지를 탐구한다.

2026년에는 한국에서 열리는 제16회 광주비엔날레 폴란드 파빌리온 단체전에 참여한다.

저자: 카롤 시엔키에비치 Karol Sienkiewicz | 최종 업데이트: AJ (2026년 6월) | 번역: AL (2026년 7월)